コートールド美術館展　魅惑の印象派

コートールド美術館展　魅惑の印象派　東京都美術館開催　２０１９年９月１０日（火）～１２月１５日（日）

コートールド美術館は英国ロンドンにある小規模ながら優れた作品を多数所蔵している美術館である。
本美術館は1932年に実業家サミュエル・コートールドのコレクションを元に設立された。
とりわけ印象派作品が充実していることで知られている。
二十年前、英国に訪れた際、この美術館に足を運んで深い感銘を受けた。
いつかもう一度行ってみたい――と、かねてより願っていたところ、本展覧会が開催されることになった。
またあの優れた作品群を見ることのできる機会に恵まれるとは。
しかも国内で。

全3章に渡っての構成。総展示数は84点（美術品60点と関連資料24点）と少数。

第1章		画家の言葉から読み解く
第2章		時代背景から読み解く
第3章		素材・技法から読み解く

ルノワール、モネ、セザンヌ、ゴーガン、シスレー、ドガ、ピサロ、マネ、etc.エトセトラ、印象派の巨匠作品がズラリ！
しかもどれも秀逸作品である。

その冒頭を飾るは、ホイッスラーの「少女と桜」である。
縦長の画面に薄いヴェールをまとっただけのほぼ裸体の少女の姿が描かれている画だ。
少女はかがみこんで桜の木を手入れしている。
少女の被っている帽子と桜の鉢は、目にも鮮やかな緋の色で目をひく。
桜の木も花びらこそ少ないがピンク色が明るく綺麗で、全体的に華やかで艶美な雰囲気を醸し出している。
ホイッスラーは本作品を完成させるにあたり、何十もの素描と習作を重ねて構図を練り、１０年近くも取り組み続けたという。
平面的構図を得意としたホイッスラーの才が発揮されている作品でもある。

”少女と桜”
ジェームズ・アボット・マクニール・ホイッスラー
1867-72年制作

続いてはゴッホ作品の「花咲く桃の木々」。
穏やかに晴れ渡った春の遠景を描いた作品である。
澄んだ青空の下に、のどかな果樹園が広がっている。
1888年にゴッホはパリから南仏アルルに移り住み、その翌年に自らサン＝レミの療養院に入院する。
本作品はゴッホが入院する前に最後に描いたアルル郊外の風景である。
「前景の葦の垣根に囲まれた果樹園では、小さな桃の木が花盛りだ――この地すべては小さく、庭、畑、庭、木々、山々でさえまるで日本の風景画のようだ。
だから、私はこのモティーフに心惹かれたのだ」
ポール・シニャックに宛てたフィンセント・ファン・ゴッホの手紙　1889年4月10日

”花咲く桃の木々”
フィンセント・ファン・ゴッホ
1889年

そしてクロード・モネ作品の「アンティーブ」と「花瓶」。
アンティーブは南仏の地で、モネはこの地に1888年に二度目の滞在をして38点の作品を描いた。
本作品はそのうちの一点である。
油彩画であるのに水彩画とみまがうほど美しく透明感のある画だ。
画面中央に一本の松の木が描かれており、その向こうに海と山が見える。
海は地中海、山はエステレル山脈だ。
実に風光明媚な、日本の風景画を彷彿させる作品である。
「私は、太陽と刃を交えて闘っています。この地の太陽は、なんて太陽だ！黄金と宝石で描かなければならないのです」。
オーギュスト・ロダンに充てたクロード・モネの手紙　1888年2月1日

「花瓶」はタイトル通り、花の活けられていいる花瓶を描いた画である。
モネの静物画は珍しいかもしれない。
花瓶よりも容量の多い花が活けられているが、印象派特有ともいえる光のマジック、つまり筆のぼやかしのため何の花か特定できない。
カタログではウスベニアオイかベニアオイとされている。
白と薄紫色の色合いが美しい。
本作品に対し、モネはこう語っている。
「制作したばかりの大きな絵を放棄した」
本作品は1882年頃に着手されたが完成させられることなく、40年以上もの間モネの手元に置かれた。
1920年頃に花弁や葉に手を加えた後、ようやくサインをして売却した。
妥協を許さぬ芸術家魂を見た気がした。


”アンティーブ” クロード・モネ 1888年		”花瓶” クロード・モネ 1881年着手

そしてポール・セザンヌ作品。
セザンヌ作品はコートールド美術館の大きな主軸である。
コートールドはまだセザンヌの名声が確立していなかった頃から彼の作品を蒐集していた。
1922年に彼はロンドンのバーリントン美術クラブで開催された展覧会でセザンヌの作品に魅了された。
「その瞬間、私は魔術を感じ、それ以来ずっとこの画家の魔術にかかったように感じている」と語っている。
そのセザンヌ作品が本展では10点も公開された。
どの作品も傑出していた。
筆致は荒いのに深みがある。
哀愁を帯びた色調が感傷的で、作品に抒情感を漂わせているだ。
中でも最も目を惹いたのが「カード遊びをする人々」と「キューピッドの石膏像のある静物」である。
「カード遊びをする人々」はタイトル通り、カード遊びをしている人々を描いた作品。
二人の男性が、テーブルをはさんで真向かいに座りあってカード遊びをしている。
昔のカード遊びというと大金を賭ける富裕層の華やかな図をイメージするが、セザンヌは家の別荘であったジャス・ド・ブッファンで働く労働男性を描いた。
色調が暗く重々しいが存在感がある。
晩年、セザンヌはこう語った。
「私は、時の法のなすがままに任せ、しきたりを曲げることなく年を重ねた人々の姿が、何にもまして好きなのです。その法に抗う努力は嫌いです」。

「キューピッドの石膏像のある静物」はこれもタイトル通りに中央にキューピッドの石膏像が描かれた静物画だ。
石膏像といっても、セザンヌの描いたそれは真っ白ではなく悲哀を帯びた青の色調である。
足元に転がっている果実の赤色との対比が実に美しい。
石膏像は何故かなまめいていて、生きているかのように感じる。
本作品はコートールドが購入した最初のセザンヌ作品であり、美術館開館後も寄贈はせずに亡くなるまで手元に残していた作品である。
「セザンヌは、自在に空間を歪め、つなげることで、奥行き、モティーフ間の距離や関係を曖昧にした。
立て掛けられたカンヴァスの絵にもなることで、平面と立体の認識を揺るがせ、絵画そのもののあり方に疑問を投げかけている」。
（カタログより――）


”カード遊びをする人々” ポール・セザンヌ 1892-96年頃		”キューピッドの石膏像のある静物” ポール・セザンヌ 1894年頃

フランスは19世紀になると急速に産業化が進み、それに伴ってパリは近代都市へと変貌した。
そして中産階級が台頭しはじめ、彼らは劇場やカフェなどで楽しむようになった。
2章ではそんな人々が描かれた作品群が展示されていた。

本章の8割が風景画である。
鉄道が敷かれたことにより、人々は気軽に郊外へ足を運ぶことができるようになった。
画家たちはそこで楽しむ人々を風景とともに描いた。
それらはどれも印象派らしい日本人が好みそうな風景画であった。
最も目をひいたのはマネの「アルジャントゥユのセーヌ河岸」とルノワールの「春、シャトゥー」である。

「アルジャントゥユのセーヌ河岸」は美しい青色の水辺に浮かんだ幾艘ものヨットが浮かんでいる情景が描かれた画だ。
岸部には川を眺めている一組の母子が描きこまれている。
女性の白のドレスが水辺の青に映えて目をひく。
当時、アルジャントゥユはセーヌ川での舟遊びや岸部の散策を楽しみに訪れるパリの人々で賑わったという。
画風から感じられるように涼し気な地であったのだろう。
川面から伝わってくる心地よい風がキャンバスから流れ出てきそうだ

見たとたん、「わー」と感嘆の声を出してしまった。
何ときれいな緑であろうか。
ここは天上世界か、と思いきや、場所は「シャトゥー」であった。
パリの中心部から西へ14キロメートルほどの町であり、やはりこの地も週末になるとパリから訪れる人々で賑わったという。
一面緑に覆われている中にところどころに白の花が散りばめられている。
萌ゆる若々しい草花の春の風景が描かれた逸品である。
むせかえるほどの瑞々しい若草の香りがキャンバスからこぼれてきそうだ。


”アルジャントゥユのセーヌ河岸” エドゥアール・マネ 1874年制作		”春、シャトゥー” ピエール＝オーギュスト・ルノワール 1873年頃

そのルノワールの作品でもう一点目を惹いたのが「桟敷席」である。
桟敷席にいる大胆な黒白のストライプのドレスを着た女性と何故か舞台でなく観衆にオペラグラスを向けた男性を描いた画である。
女性はドレスも豪奢だが身にまとっているアクセサリーや手にしている扇も相当高価そうである。
男性はその華やか女性の背後にふんぞりかえるようにして座っている。
男性は女性のパトロンか―。そして男性は新たなる情婦を見い出そうと観客席にオペラグラスを向けているのか―。
あらぬ妄想が脳裏に蠢く。
大胆な構図と色調に加えて、モデルたちのいわくありげな関係性が、作品に不可思議な魅力を生み出していて目が離せない。
本作品は1874年に開催された第一回印象派展に出品され、1925年にコートールドが最も高値で購入した作品でもある。
「私見だが、彼は1880年以前に頂点に達していたと思う。
彼独自の傑出した魅力を構成する、鋭敏な視覚という類まれな才能を無駄にすることなく、のちに得ようと努力していくものの本質の片鱗が現れている」。

”桟敷席”
ピエール＝オーギュスト・ルノワール
1874年

ドガの「舞台上の二人の踊り子」も展示されていた。
ドガと言えば踊り子。踊り子と言えばドガ。
と、脳裏にドガ＝踊り子ですぐに結び付けられるように、ドガは足繁く劇場や稽古場に通って多くの踊り子を描き数多くの名作を残した。
本作品は舞台で舞っている二人の踊り子が描かれている。
実際には左端にもう一人存在するが。
二人の踊り子はそれぞれ白のチュチュを纏ってポーズをとっている。
一人は薔薇色の、もう一人はモスグリーン色の髪飾りとサッシュベルトを身に着けている。
どちらも愛らしい。
画面手前には舞台上の床が広く描かれ、その奥行きと空間の広さを物語っている。
静止している静なる美であるのにも関わらず動を感じる、絶妙な構図とバランスで描かれた画だ。

	”舞台上の二人の踊り子” エドガー・ドガ 1874年

驚いた。
本展覧会にエドゥアール・マネの晩年の傑作であり彼の代表作品の一つでもある「フォリー＝ベルジェールのバー」が来日していることは知っていたが、
まさか「草上の昼食」まで来ているとは知らなかった。
1863年にサロンに発表し、大スキャンダルとなったオルセー美術館に所蔵されている作品と同タイトルの画である。
構図は全く同じであり、本作品は長年習作かレプリカか議論が重ねられてきた。
近年の調査からは、オルセー所蔵作品を描いている途中で描かれた作品、つまり同時期に描かれた作品という見解が強くなっている。
現代の我々からの視点でもあっと驚くような画である。
男女問わず裸体像にはさほど驚かないが、本作品は女性だけが裸身なのである。
男性二人はきっちりとスーツを着込んでいる。
そしてタイトル通り、草上で昼食をとっている。
男性はくつろぐ、というより身持ちを崩しているというポーズだ。
置かれているバスケットも倒れて中身がこぼれ出ている。
どう見ても男性がお金で買った女性を好きにしている、図だ。
まさしく春画、である。
登場人物全員が裸身であれば、アルカディアといえたかもしれない。
淫靡な雰囲気漂う絵であるのにも関わらず、画面から目が離せない。
あるいはだからかなのか。
周囲の緑の木々と草地が女性の白き裸身を映えさせているのがまた猥褻である。


”草上の昼食” エドゥアール・マネ 1863年頃		”草上の昼食” エドゥアール・マネ 1863年オルセー美術館所蔵

そしてそして。
本展覧会の目玉作品であり、またコートールド美術館の看板作品でもある「フォリー＝ベルジェールのバー」の登場。
圧巻、の一言。
フォリー＝ベルジェールは、歌や踊り、曲芸や珍獣の公開など多彩な演し物で人気を博したパリのミュージックホールである。
本作品は、そのホールバーで黒いドレス調の制服を着たバーメイドが中央に佇んでいる姿が描かれている画だ。
それはまるで我々鑑賞者を実際に迎えているかのような佇まいである。
しかしその顔は笑ってはいない。
瞳は虚ろで気だるげな様相である。
反して、バーメイドの手前に置かれているアルコール類や果物は、緻密に生き生きと描写されている。
バーメイドの背後は鏡面で、劇場にいる人々を不鮮明かつ不明瞭に映し出している。
メイドの前には黒いシルクハットを被った紳士が佇んでいるが、実際にはいない。
鏡面に映っているバーメイドの背面の姿もあり得ない角度で描かれている。
バーメイドが真実で、鏡面がそうではないのか。はたまたその逆か。それとも全てが虚構なのか。
19世紀フランスは凄まじい勢いで近代化が進んでいった。
世界は、一変した。
しかし人々の心は果たしてそれについていけたかのであろうか。
着飾った人々のむせかえるような人いきれやきつい香料、そして笑いさざめく声が劇場内に熱を伴って渦巻いているのが分かる。
今、こうして見ているのは果たして本当に現実の世界なのか。
「疲れたわ…」「何で私ここでこんなことをしてるのかしら…？」
劇場の賑わいをよそにバーメイドを通して、市井の人のそんな声が聞こえてきそうだ。
バーメイドの背後の鏡面世界は実は彼女を通して見える19世紀フランスの世界の一部なのかもしれない。

”フォリー＝ベルジェールのバー”
エドゥアール・マネ
1882年制作

3章に入る。
点描手法を得意としたジョルジュ・スーラの作品は5点展示されていた。
一番美しいと思ったのは「クールブヴォワの橋」である。
本作品はスーラが自ら編み出した点描技法を最初に用いた最初の作品である。
遠方からクールブヴォワ橋の情景が描かれてる画だが、すべてが点描で表現されている。
そのため人物がシルエット状になって見える。
郷愁感をそそる絵だ。

”クールブヴォワの橋”
ジョルジュ・スーラ
1886-87年頃

エコール・ド・パリの一人であり、「モンパルナスの貴公子」の異名を持つモディリアーニの作品が一点。
「裸婦」はコートールド美術館の至宝の一つであり、モディリアーニ作品の代表作でもある。
モディリアーニ作品で最も美しい裸婦像とも言われている。
たわわに実った水蜜桃を思わせる両胸、きゅっとくびれた腰、すっと伸びた手、扇情的な両の大腿。
青い背景により白く浮かび上がった裸身はこの上なく美しい。
女性は瞼を閉じ、顔を自らの肩に委ねてる。
閉じた瞳には何が映し出されているのであろうか。
また裸婦は何を思っているのだろう？

”裸婦”
アメデオ・モディリアーニ
1916年頃制作

ポール・ゴーガン作品は彫刻を含めて「メットの肖像」「干し草」「ネヴァーモア」「テ・レリオア」の4点。
「ネヴァーモア」「テ・レリオア」は彩色華やかな素晴らしい作品だった。

「ネヴァーモア」は横たわる裸婦を描いた画である。
一糸纏わぬ裸体の女性が寝床に横たわっているのだが、瞳は開かれており、はっきりと目を覚ましている。
その視線から女性の背後にいる二人の女性（悪霊とも類推される）の話に耳を傾けているのがわかる。
眠ったふりをしているのか、眠れないのか。
リアルな女性の表情と不可思議な周囲の世界観の組み合わせが、画面全体をミステリアスな雰囲気にしている。
ゴーガンはタヒチ在住に創作した作品のほとんどはタヒチ語でタイトルをつけたが、本作品は英語にした。
それも「二度とない」という暗示的なタイトルである。
「私はただありのままの裸体によって、かつて未開人がもっていたある種の豪華さを想起させたかった。
全体をわざと暗くくすんだ色彩で覆っている。
この豪華さをつくり出しているのは、絹でもビロードでも麻布でも金でもなく、画家の手によって豊かになったマティエールなのだ」
ダニエル・ド・モンフレッドに宛てたポール・ゴーガンの手紙、1897年2月14日

”ネヴァーモア”
ポール・ゴーガン
1897年制作

「テ・レリオア」はタヒチ語で”夢”の意。
若い女性二人と眠る赤子、そして一匹の犬が描かれた図である。
画中に描かれている登場人物たちは相関関係がないように感じるが、違和感はない。
彼らはレリーフに囲まれた家（？）の中にいる。
それぞれが独立して存在しているようである。
裸体であぐらを組んで座している女性の表情が何とも言えずに意味深だ。
全体が黄色の色調なので、ともすれば光輝いて見える。

制作を急いだにもかかわらず、前の数点よりももっとよいと思う。
テ・レリオア（夢）が、その題名だ。
この絵の中では、すべてが夢だ。子供か、母親か、小道にいる馬に乗る男か、あるいは画家の夢なのか！！！
それらすべては絵画から関係のないことだと人々は言うだろう。
誰にわかろうか、おそらくわかるまい。
ダニエル・ド・モンフレッドに充てたポール・ゴーガンの手紙、1897年3月12日

”テ・レリオア”
ポール・ゴーガン
1897年制作

最終展示はオーギュスト・ロダンの彫刻作品群だった。
どの作品も手で持てるほどの大きさだが迫力があり、実物より生々しくもあった。
「花子」というタイトルの作品に目を惹かれた。
日本人の名前だし、顔だよなー、と思って見ていたら、花子（本名：太田ひさ）という名の女優だった。
20年近く欧州で活動し、人気を博したというが、知らない。恥ずかしい…。
ロダンは花子についてこう語っている。
「彼女には少しも脂肪がない。彼女の筋肉は、フォックステリアという小さい犬の筋肉のように、それぞれが盛り上がっている（……）
それゆえ、彼女はヨーロッパ人の身体つきとはまったく違っている。
しかし、それにもかかわらず、彼女の特異な力の中には毅然とした美がある」
想像するに、顔が小さくほっそりしており、顔貌は典型的な日本人顔（テルマエロマエ風に言えば平たい顔）をした梅の木のような凛とした佇まいの女性。
WEBで見たらほぼその通りだった。
森鴎外の短編小説のモデルにもなっていた。またしても、恥ずかしい…。

”花子”
オーギュスト・ロダン
1908年制作
1910年以降にブロンズに鋳造

少数展示ながらも素晴らしい展覧会であった。
展示されている作品すべてが卓越した芸術品だった。
正直、マネの「フォリー＝ベルジェールのバー」に再会できればそれでいい、と思っていただけに感無量である。
開催期間中、できればもう一度足を運びたい展覧会だ。

★右が今回の展覧会のカタログ、左が20年前にコートールド美術館で購入したカタログ↓

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