ルーヴル美術館展　日常を描くー風俗画にみるヨーロッパの真髄

ルーヴル美術館展　日常を描くー風俗画にみるヨーロッパの真髄　国立新美術館開催　　２０１５年２月２１日（土）～６月１日（月）

ルーヴル美術館は芸術大国仏蘭西が誇る世界最大の美術館である。

ダ・ヴィンチの「モナリザ」や「ミロのヴィーナス」等、誰もが知る至高の芸術品をそれこそ天文学的な数字で所蔵している。

その美術館から今回１６世紀から１９世紀半ばまでに描かれた「風俗画」群が来日することになった。

日本でも人気の高い画家ヨハネス・フェルメールの作品「天文学者」も初来日する。

４年前に文化村で鑑賞した「地理学者」と比較鑑賞すべく、４月中旬、都心の美術館に足を運んだ――。

本展覧会はプロローグを含め、８章に渡って構成されていた。

展示作品数は８３点と、それほど多くはないが、どの作品も迫力があって見応えがあり、すべてを鑑賞し終わるのにかなりの時間を要した。

プロローグ　Ⅰ	「すでに、古代において…」風俗画の起源
プロローグ　Ⅱ	絵画のジャンル
第Ⅰ章	「労働と日々」－商人、働く人々、農民
第Ⅱ章	日常生活の寓意－風俗描写を超えて
第Ⅲ章	雅なる情景－日常生活における恋愛遊戯
第Ⅳ章	日常生活における自然－田園的・牧歌的風景と風俗的情景
第Ⅴ章	室内の女性－日常生活における女性
第Ⅵ章	アトリエの芸術家

どの作品も目をひいたが、群を抜いて際立っていたのが幾点かある。

クエンティン・マセイスの「両替商とその妻」がそうだ。

一瞬、ヤン・フェイクの作品かと思った。

英国のナショナル・ギャラリーに所蔵されている作品「アルノルフィーニ夫妻像」に似ていたからである。

特に描かれている人物たちの面ざしが似ている。

画面に描かれているのは、一組の男女である。

青い衣服を纏った男性は、テーブルの上で天秤を持って、金を計っている。

その左隣に座っている女性は、緋色の衣服を纏い、何かの本を開きながら、視線を天秤に向けている。

その瞳がやけに生々しい。

画面は本当に日常の一部分を切り取ったかのようにリアリティがある。

彼らの真摯な仕事ぶりの空気が画面から流れ出てきて、絡めとられて動けなくなるほどだ。

本作品の別タイトルは「金貸しとその妻」である。

本展覧会カタログによると、金融業及び銀行業と職業の結びつきが風俗画においては重要であり、

この主題はヨーロッパ北部の諸流派の絵画に普及したとのこと。

本作品に描かれている職業は、当時のフランドルやオランダに多数存在したという。

カタログより引用－

「キリスト教によって糾弾される高利貸に対する道徳的な告発とも理解できるうえに、

慈悲や誠実の美徳と対比される吝嗇や人間の虚栄心の宗教的寓意と見ることができる」。

そして登場人物たちの行為は、

「金貸しは重りと硬貨、宝石、真珠の価値を天秤で量っているところで、魂の重さを喚起させる。

妻はその利益に心を奪われ、時禱書を読むことを止めている――品々はきわめて写真的に描かれている。

しばしば、現在に至るまで謎に包まれている、こうしたイメージに表された混乱した象徴性に気づかされる。

すなわち、若い妻が手にする時禱書、消えた蝋燭、棚の上の果物は原罪の一般的な暗示で、

水の入ったカラフ、ロザリオは純潔と無原罪の御宿りの象徴、鏡は虚栄心を喚起する」

とのこと。

ヤン・フェイクに似ていたのは当然だった…。マセイスは彼の作品を手本にしたとのこと。

”アルノルフィーニ夫妻像”

ヤン・ファン・エイク

1434年

”両替商とその妻”

クエンティン・マセイス

1514年

ジャン・シメオン・シャルダンの「買い物帰りの召使い」も目をひいた。

召使いの着ている衣装がお洒落だったからである。

画面には一人の召使いの女性が描かれている。

女性はゆったりとしたモスリンと思われる白い衣服の上からジャンパースカートのごとき青いエプロンを身につけている。

上衣の襟元は洒落たスカーフが巻かれており、腕の袖は肘の箇所で愛らしく赤いリボンで結ばれている。

昔の召使いというと、意地悪で吝嗇な金持ちにこき使われて、身も心もぼろぼろになっている貧相な人物というイメージがある。

本作品に登場する女性には全くその影がない。

顔も身体もふっくらつやつやして、生き生きしている。

召使いといっても、そんな貧しくはなかったのかも…？

タイトル通り女性は買い物帰りで、大きな買い物袋を下げている。

このあたりは現代女性と変わりない。

”買い物帰りの召使い”

ジャン・シメオン・シャルダン

1739年

スペインの巨匠、ムリーリョの作品の展示もあった。

ルーヴル美術館の至宝の一つとされている「物乞いの少年（蚤をとる少年）」である。

タイトル通り、まだ年端もいかぬ一人の少年が、土蔵と思しき中で、自分の身体にいる蚤を取っている図が描かれた作品である。

少年の纏っている衣服はぼろぼろでいたるところ擦り切れており、靴は履いておらず、両足の裏は泥だらけである。

少年の傍らには物乞いの収穫であろうかと思われる果実が２，３ヶ入った手提袋が置いてある。

そして地の床には小エビが散乱している。

決して美しいとはいえない、それどころか不潔な土蔵の中にいるのにも関わらず、この少年からは荘厳さや敬虔さ、潔癖さが感じられる。

この作品を見た者は、必ず弱者に対する慈悲の心が芽生えてくるはずだ。

ムリーリョはそれを意図して描いた。

カタログより引用－

「物乞いの少年の描写は高貴さと感動に満ちている。すなわち、この貧しく見捨てられた少年には品位が備えられているのである。

この絵画には、当時の貧者と貧困の喚起に加えて、宗教的雰囲気の中で画家たちに守られていた美的意図が偲ばれる。

貧者と貧困への共感は、実際、スペインの修道士、知識人、そして芸術家にとって、最も明白な主題の一つであった」

と、何やら難しいことが書いてあるが、要は、

「こんな可愛い子が、なんでこんな目にあっているのっっ！？かわいそうに！！よし、わたしがなんとがしてあげなきゃあ！！」

と、人々に思わせたかったのだ。

ムリーリョってうまいよなあ…。

光と影の明暗のコントラストが絶妙な素晴らしい作品である。

”物乞いの少年（蚤をとる少年）”

バルトロメ・エステバン・ムリーリョ

1647-1648年頃

当時の日常生活が描かれている作品群の中で、一際華やかな画があった。

ジャン＝バティスト・グルーズの「割れた水瓶」である。

白いドレスを纏った若い女性が割れた水瓶を右腕にかけて屹立している姿が描かれた画である。

女性は、真っ白で滑らかな肌をしており、瞳は美しい透き通るような青灰色をしている。

しかしその瞳は視線が定まっておらず、虚ろである。

纏っている純白のドレスは乱れており、胸元から乳房も垣間見える。

灰褐色の割れた水瓶を持ちながら、ドレスの中にある花がこぼれぬように手でおさえている。

この作品は一体何を意味しているのだろうか。

本作品を描いた画家、ジャン＝バティスト・クルーズは、道徳的な風俗画の専門家であった。

「瓶を持っていくと、しまいには砕ける」という仏蘭西語のことわざがある。

今日の一般的な意味は、「あまりしばしば同じ危険をおかすと、しまいには失敗し、命を落とすことがある」とされている。

彼はこの有名なことわざを念頭において、本作品を描いた。

カタログより引用－

本作品は、「壊れた水差しと花びらを失ったコサージュのノバラの花のイメージから、彼女が弄ばれて暴行された」という解釈だそう。

「寓意的にこの作品には少女の処女性の喪失が読み取れる。

少女は動揺し涙にぬれた目で茫然と私たちを見つめているが、このことは彼女の失われた純潔を物語る。

乱れたブラウスは瑞々しい乳房をあらわにし、下腹部で握りしめられた両手は、

水差しの丸みにあけられた穴と同じ高さの侮辱の場所を明らかに表示する。

この暗く不気味な割れ目は彼女の『破られた』性器を連想させる。

衣服の白、透き通るような肌の白さ、髪に挿されたオレンジの花の白は、彼女の純潔を示している。

一方、ある日その輝きが失われた唇と頬の赤みはエプロンの上に切り取られて萎れたノバラの花に呼応する。

が、ノバラの花がはかない幸福の象徴であることを想起せねばならない」

クルーズはこう訴えたかったのだろうと、わしは思う。

「こんな可愛い可憐な娘にオイタしちゃダメですよ。汚れを知らぬ少女はこの世で一番尊く美しいモノなのです。

失われた輝きは二度と取り返せないのですから」ってね。

彼は本作品に見られる失われた純潔と処女性の喪失の主題を繰り返し描いたという。

と、いうことは、当時の男女交際の風紀が乱れていたということなのか…？

”割れた水瓶”

ジャン＝バティスト・グルーズ

1771年頃

本展覧会の目玉作品であるヨハネス・フェルメールの「天文学者」の前では、人だかりができていた。

思ったより小さな絵であった。

他の展示作品が大きいので余計にそう感じてしまう。

窓辺から差し込む光を頼りに、一人の青い衣を纏った男性が、大きな天球儀に手をかけて見据えている。

本作品が描かれたのは１６６８年のオランダ大航海時代であり、学問、特に地理、天文が急速に発達した時代であった。

本作品はその当時の様子を描いた図かと思いきや、そうではなかった。

画面に描かれている天球儀及び学術品は、当時から約半世紀も前の物だとのこと。

壁に掛かっている絵画は、ピーター・レリーの「川から救われるモーセ」である。

と、すると、この作品を描いたフェルメールの意図は…？

カタログより引用－

「約束の地に導くヘブライ人の精神的指導者であるモーセを天文学によって探索される精神的方角の暗示と解釈する。

学者の前に開かれた天文学の案内書とともに天球儀に施された細部描写によって、天球儀の同定と年代確定が可能になる。

この精緻な描写は絵画を望ましく表現する科学的現実性の重要性を強調する」

しかし未だ明確な解釈はないとのこと。

フェルメールが謎めいた画家といわれるゆえんである。

時を超えて尚、我々を翻弄し続ける一筋縄ではいかない画家だ。

”川から救われるモーセ”

ピーター・レリー

”天文学者”

ヨハネス・フェルメール

1668年頃

第Ⅴ章まで足を運ぶと、女性が主人公として描かれている作品群が展示されていた。

それもほとんどが身づくろいしている図――特に髪を整えている図が多い。

描かれている女性は庶民から富裕層まで様々である。

カタログより引用－

「風俗画の分野において、女性の描写は間違いなく最も重要な要素の一つである。

身づくろいをする女性というテーマは、日常が描かれるときにしばしば取り上げられる主題だ。

それは、女性の美しさと同時に、その私生活を連想させる」

本展覧会においては日本でも人気の高いコローの作品が３点展示されていた。

うち２点が女性の人物画像で、このⅤ章に展示されている。

「身づくろいをする若い娘」は実にシンプルな作品である。

一人の少女が立ちながら、（おそらくは）下着姿で自分の長い髪を一房摘むようにして整えている図が描かれている。

上衣がはだけて肌があらわになっている。

下半身に纏っているスカート（？）は単調な線と色で描かれている。

シンプルすぎる。習作と見まがうほどだ。と、思っていたら、本作品はエスキース（下絵）であった。シンプルで当然だった。

カタログより引用－

「髪は女の命」と古今東西謳われているように、

「髪は女性らしさに不可欠な象徴的持物であり、髪の手入れを好む女性は、文明や時代を超えて共通する原型的な女性の姿である」

「髪を梳く非常に優雅な手つき。不機嫌な様子が魅力的なこの若い娘は鏡を持っていない。

ほぼ単色で構成された画家のパレットの中で、グレー、オーカー、茶色の単彩色は、暖色で描かれた髪ろ輝くような反射を引き立てている」

「私生活の中で不意にとらえられた女性たちは、多かれ少なかれ服を脱いでおり、肩、素足、さらにはそれ以上の部分を私たちの目にさらす。

愛好家の最大の楽しみのために、画家はまるで親密な儀式の秘密を暴くかのように、女性の美の秘密のベールを取りのぞく無作法な観察者となる」

なるほどなあ。確かに身づくろいしている時は、自分のことしか目になくて周囲が見えなくなっている。

一番無防備な状態だ。

それを見るのって、面白いかもしれない…。

もう１点のコローの女性画は、身づくろいしている女性の図ではない。

一人の女性がアトリエの中で、絵が掛けてあるイーゼルの前にある椅子に座って、マンドリンを片手に持って絵に見入っている図だ。

女性は後ろ姿で描かれているため、その表情はわからなく、彼女が絵を見ながら何を想い、何を感じているかは不明である。

タイトルは「コローのアトリエ」。

カタログより引用－

「画家の若いモデルは、楽器を手にしたまま、画家が描いた風景画をじっと見つめながら、深い物思いに沈んでいるようである。

鍋や石膏彫刻、壁に掛けられたエスキース（下絵）のあるアトリエの親密さは、

若い音楽家の秘めたる想念がはるかに駆け巡っていく戸外の風景と巨大な空の眺望に対して、巧みな対照をなしている」

ふーん…。目に見えぬ女性の表情と心情を想像して楽しんでクダサイということか…。

女性の髪をまとめた赤いリボンと緑の上衣の対比が美しい。

いつも思うケド、コローの描く女性って、みなオシャレだ。

”身づくろいをする若い娘”

ジャン＝バティスト・カミーユ・コロー

1860-1865年頃

”コローのアトリエ”

ジャン＝バティスト・カミーユ・コロー

1873年頃

巨匠ティツィアーノの作品も１点。タイトルは「鏡の前の女」。

やはり女性が髪を整えている図が描かれた作品である。

女性は自身の長く豊かな美しい黄金色の髪を右手で握りしめながら、横に立つ男性の持つ鏡の中にいる自分に視線を注いでいる。

その表情は何やら思案深げかつ物憂げである。

背景の闇に溶け込んでいるかのような男性は、鏡を２枚持っている。

１枚は女性の顔が映るように女性の前へ、もう１枚は女性の背後へと位置させている。

女性は目の前の鏡から、背後にある鏡に写った自分の後ろ姿を見ているのだろうか…？

カタログより引用－

「鏡は『真実』とともに『賢明』を表す伝統的な持物であると同時に、『傲慢』の罪を表すものでもあり、鏡に見入る者の『虚栄』を映し出している。

つまり、『美』はすべてのものと同じく、死とともに消え去る前からすでに、色あせ衰えていくことを運命づけられているのである。

この絵の中の２枚の鏡の存在は、研究者たちに疑問を投げかけてきた。

これらの鏡は、若い女性が左側に作った三つ編みと同じものを右側にも作る際に、髪型を後ろから見るための実用的なものである。

しかしそれとは別に、当然ながら別の役割も担っている。この二重のイメージには、正面と背中が同時に描かれている。

そこには、移り行く時間の暗喩、あるいは『カトプロマンシー』と呼ばれる占いの秘儀―昔から実践されてきた鏡を用いる占術―を読み取ることもできるかもしれない。

若い娘は大きな凸面鏡の中に、彼女の背後にある過去の出来事を、つまり彼女を死に近づける『彼女の背後』にある過去を見ているようである。

他方で、彼女の前には未来が映し出されている。

彼女の視線にわずかに看取される一種のメランコリーに注意を向けるならば、手前の鏡が後方の鏡に比べてはるかに小さいことからも、

彼女の余命が短いことを、つまりは、彼女を死に近づける未来を暗示しているのかもしれない。

さらに女性の後ろに描かれた鏡は、影に身をひそめた男性によって男性によって支えられている。

その両手の位置からして、この男性は過去と未来を結ぶものとして機能しているように見える」

つまり２枚の鏡は、生命の長さ。後方の鏡は経た時間。前方は余生。

「若さ」や「美」は一生の中のほんの一瞬のときであり、永遠に続くものではない。

「虚栄」である「若さ」におぼれるな、という示唆か。

謎めいたミステリアスな雰囲気が画面の隅々にまで渡って広がっており、見ているこちらを相当に困惑させる作品だ。

それでいて見る者を捉えて離さない。実に不可思議で魅惑的で魔的だ。

”鏡の前の女”

ティツィアーノ・ヴェチェッリオ

1515年頃

これは――、スゴい…。

見た人すべてがハッとなるのではないだろうか。

画を見た瞬間、恥ずかしくなってつい目をそらせてしまうが、その後もう一度作品に目を向けると、今度は釘付けになってしまう。

フランソワ・ブーシェの作品「オダリスク」である。意は後宮の女性。

画面には仰向けになって寝そべっている一人の女性が描かれている。

女性は髪は丁寧に結い上げて豪華な髪飾りをつけているが、全裸である。

上半身は心持ち身体を隠すようにして白い絹の布で覆っているが、下半身は丸出しである。

しかも臀部が画面中央にでんっ！と描かれている。

両足はだらしないともいえるほど大開きにしており、すっかりとくつろいでいる様子だ。

春画と見まがえるほどの露骨な肉体描写だが、本作品からは格調と品性の高さが感じられる。

それは描かれている部屋の中や周囲に置いてある調度品の豪奢さからによるゆえんだろう。

ブーシェは自分の妻をモデルにして描いたとのこと。

その女性の肉体は瑞々しく溌剌として、生命力に溢れかえっている。

ベルベットの青の敷物が、より一層女性の肉体を白く光り輝かせて眩しいほどだ。

でもなんで金持ち女性ってみんなむちむちしてるのだろう…？いーもんくってるからか？？？

”オダリスク”

フランソワ・ブーシェ

1730-1735年頃

優れた風俗画は、その時代の様子をありありと伝えてくれる。

人々の息遣いまでが聞こえてきそうなほどに…。

また絵画に内包される道徳的教訓からは、当時の世相すらも把握できてしまう。

卓越した画家の眼力、そして技術力によって創作された「風俗画」は、われわれをしばし時間旅行に誘ってくれるのだ。

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