マグリット展

マグリット展　国立新美術館開催　　２０１５年３月２５日（水）～６月２９日（月）

本年度、２０世紀シュルレアリスムの代表画家であるルネ・マグリットの回顧展が開催されることになった。

それも世界１０ヶ国以上から１３０点もの作品が収集され展示されるという、相当に大規模な展覧会である。

マグリットの作品をこれほどの数、一挙に観賞する機会は今後あるだろうか？

この好機を逃してはならじと、桜満開の４月１日、都心の美術館に足を向けた――。

エイプリルフールにマグリットの作品を見るなんて、粋だよね。

展覧会は全５章に渡って構成。マグリットの画家としての生涯を追跡していく形式での展示だ。

作品以外にも、５５点もの資料が公開されていた。

Ⅰ．	初期作品	１９２０－２６
Ⅱ．	シュルレアリスム	１９２６－３０
Ⅲ．	最初の達成	１９３０－３９
Ⅳ．	戦時と戦後	１９３９－４８
Ⅴ．	回帰	１９４８－６７

Ⅰ章はマグリットの初期作品を展示。

１９２０-２６年までの６年の間制作された作品群だ。

マグリットの生誕年は１８９８年であるので、彼の２２歳のときからの作品である。

どの作品もパウル・クレーやピカソ後年のキュビズムを連想させる。

「水浴の女」は、一人の女性が、ベッドの上で横たえている図が描かれている作品であるが、その身体のフォルムが物質的でオブジェのようである。

フェルナン・レジェの描く女性を彷彿した。

またこの時期、マグリットはグラフィックデザイナーとして仕事をしており、後には独立して広告のデザインも手掛けている。

その作品も数点展示してあったが、どれもロートレックの作風に似ていて、退廃的で官能的な画だった。

ここにはあの独特の画風は見られなかった。

”水浴の女”

1925年

シャルルロワ美術館所蔵

Ⅱ章はシュルレアリスム。

シュルレアリスムとは、第一次世界大戦後のフランスに起こった芸術思潮の一つであり、その意は”超現実主義”ある。

フロイトの深層心理学などの影響を受け、非合理的なものや意識下の心象を表現する方法を主張した。

本章は、マグリット２８歳のときからの作品が展示されており、ここにはあの彼らしい見る者を困惑させる不可思議な作風があった。

絵の中に絵があるのか風景があるのかわからない画、絵に直接切り絵をはりつけているように見える画、ばらばらにされた身体や宙に浮くオブジェの画、などなど。

総じてこの章の作品は暗く重く沈んでおり、不穏な空気が漂っている。

見ているこちらも不安になってくるほどだ。

特に印象に残ったのは「恋人たち」である。

同タイトルで二枚の作品がある。

どちらも一組の男女が描かれているが、どちらの男女も顔を布で覆い隠している。

一枚は男女が頬を寄せて肩を並べている図であり、もう一枚は接吻をしている図が描かれている。

表情が見えない分、余計に惹きつけられてしまう。

恋人たちの愛憎の激しさも伝わってくる。

「…（前略）…彼らは不穏な空気が漂った室内で、口づけを交わしているが、布越しの口づけは、見る者に触覚的な不快感を覚えさせるものだ。

布で覆われた頭部には、マグリットが好んだ犯罪小説からの影響が指摘される。マグリットは探偵小説『ニック・カーター』を愛読していたが、

その中には頭を布で覆われた女性の遺体が倒れている事件現場の様子が描かれたものもあった。…（中略）…マグリットが２作目に描いた

作品においては、恋人たちは屋外の草原の中で体を寄せ合い、親密そうな様子でこちらに顔を向けている。」

カタログより引用――。

”恋人たち”

1928年

オーストラリア国立美術館所蔵

”恋人たち”

1928年

ニューヨーク近代美術館所蔵

Ⅲ章は最初の達成。３２歳のときからの作品群の展示である。

章題通り、マグリットの画が確立した時期の作品である。

絵の中の風景あるいは風景の中の絵といったトロンプルイユ画、オブジェ的なリアルな人体像画、現実的だがありえぬ奇怪な情景。

マグリットが空想画家としてさらに技量を高めた作品群がここにある。

「文字絵画によって、言語としても表象の混乱と伝達する手段としての絵画の混乱は決定的なものになった。

この極限を出発点として、マグリットは細部を拠りどころにしながら、表象の空間を再構成していく。

画家は現実から事物を切り離した後に事物に照らして現実を見直すという、理路整然とした推論を少しずつ進めていくことになる。

世界は潜在性、つまりイメージのなかに溶解する。マグリットにとって、現実は模倣の幻覚において抽象化される。

絵画的な事実――色、筆触、物質性さえも――としての絵画は消失して、原則としての表象の批判を構成する。

それぞれの事物はもっとも小さな細部に至るまで『直接的に現実世界の対応物を問題にする。』

事物はそれゆえ断定というより問題提起となる。見ることはもはや知ることと同義語ではなく、疑うことと同じになったのだ」

カタログより引用――。

どの作品も強烈にインパクトがあるが、その中でも最高なのは「凌辱」である。

（おそらくは）女性の顔が、女性の裸体像で描かれているのである。

恥毛までしっかりと。そして面白いことに、肉体が顔の役割を果たしているのである。

両の乳房が両の瞳に、縦の腹部の線が鼻、臍が鼻の穴、恥部が口の部分と。

男性の視点からの女性像か？

「凌辱」というタイトルがそう連想させる…。

”凌辱”

1934年

メニル・コレクション

「アルンハイムの地所」は珍しく落ち着いた作品である。

建物の内部から見た夜の山が描かれている。

その山が翼を広げた鷲の形容をしているのである。

鷲の頭上には、三日月と星々が光り輝き、画面の手前には鷲のものなのか、木の枝で作った巣の中に白い卵が３つ置かれている。

画面全体が薄青色で彩色されており、静謐な空間が広がっている。

この作品は、エドガー・アラン・ポーの短編作品から引用しという。

「『アルンハイムの地所』は、エドガー・アラン・ポーなら大変気に入っただろうと思われるひとつのヴィジョンを実現したものです。

それは、広壮な山脈の形態が、翼を広げた鷲の形に、まさに一致している光景です。

われわれはそれを、建物の開口部から見ることができ、その端には卵が２個置かれています」

１９３８年第１作制作時より。カタログより引用――。

本作品が制作されたのは、１９６２年である。卵が1つ増えている…。何故だろう？？？

「アルンハイムの地所」の制作前に描かれたのが、作品「前兆」である。

鷲の形容をした山は同様であるが、視点の場所と卵がないのが異なる。

本作品は洞窟の内部から描かれている。

そのため視野が狭く感じる。

「『前兆』では、開口部は洞窟、もしくは隧道の入り口として描かれており、鷲の形をした雄大な山容が、眼前に広がる。

『アルンハイムの地所』にあって『前兆』にないのは、２個の卵である」

カタログより引用――。

”アルンハイムの地所”

1962年

個人蔵

”前兆”

1938年

ポーラ美術館所蔵

Ⅳ章戦時と戦後。マグリット４１歳のときからの作品群である。

章題通り、第二次世界大戦さなかのときである。

はて、この作品群は……？

首をかしげてしまう。

前章は己れの画の形態を確立させ、我々の目にもよくなじんだ作風だったが、本章はばらばらなのである。

ルノワールの色調を思わせる印象派風の作品があると思いきや、アンリ・マティスの画を思わせる作品もある。

ダリの作品と見まごう画もあれば、もちろん彼らしい画もあった。

そしてこれらの作品群のほとんどが、背景の空が重苦しい薄暗い色調で描かれており、画面全体に不穏な空気が漂っているのである。

また裸婦画も多かった。

そしてこれらも統一されていなかった。

夢見る淡い色彩とタッチで描かれた愛らしい裸婦がいるかと思えば、リアルに描写された裸婦もおり、またオブジェ的な裸婦もいた。

Ⅳ章だけの作品を見ると、同じ画家が創作したと思えない。

その中でも特に印象に残ったのは「炎の帰還」と「不思議の国のアリス」である。

「炎の帰還」は、探偵小説「ファントマ」の第一巻の表紙を引用した作品である。

マグリットはこの小説が大好きだったという。

画面には、シルクハットを被り、目の部分を黒いマスクで覆い、タキシードを着た巨大な怪人が描かれている。

巨大怪人は、左手で頬杖をつき、右手は１輪のバラをもって、パリの街を上から踏みつけている。

背景はすべて赤色で彩色されており、まさに炎の画面である。

空も街もすべてが真っ赤な炎で燃えさかっている中、怪人は戻ってきた。

いや、彼が地獄の業火を引き連れてきたのか……。

黒いアイマスクから見える目が餓えた獣のように鋭く光っていて恐ろしい。

とてつもなく激しい絵だ。

世界中に愛されている物語「不思議の国のアリス」。

マグリットは読書好きとのことだが、彼とこの物語はちょっと結びつかない。

色彩が柔らかく、メルヘンチックな作品で、マグリットが描いたと思う人は少ないのでは？

”炎の帰還”

1943年

個人蔵

”不思議の国のアリス”

1946年

個人蔵

最終章のⅤ章はマグリット５０歳時から彼が没する６９歳のときまでの作品群が展示されていた。

「これぞ、マグリット！」というべき作品群である。

尋常ならざる奇想天外の世界が展開されていた。

宙空に浮かぶ大きな石、上半身魚・下半身人間のありえない奇妙な生き物、実際の大きさを無視したオブジェ的な物体などなど。

「想像」「創造」を超えて、彼は誰も踏み入ることのできない独自の世界を形成したのだ。

その集大成がここにある――！！

「光の帝国Ⅱ」は彼の最も成功した作品の一つである。

本作品は、夜の静かな街の通りを描いた画である。

立ち並んでいる家々からは、窓に灯りがともっており、通りの街灯も点灯している。

だが、何かおかしい。何か、変だ。何か、違和感がある。

あっ、空だ！

街が描かれている図上では、雲が浮かぶ青空が広がっている。

空の下は薄暗いのに……？？？

昼と夜が同時に混在しているではないか！？

果たしてこれは昼なのか夜なのか？

なんという不思議な空間！！

「白い雲が浮かぶ真昼の青空と、家々の窓に灯りが浮かび、ぽつりとひとつ街灯がともる街路の夜景という、

現実にはありえない不思議な組み合わせの情景――『光の帝国』はマグリットの最も成功した作品のひとつである」

カタログより引用――。

同題のヴァリアントは、１９４９年から晩年まで何点か創作された。

本作品は１９５０年に制作されたその２作目である。

この連作に関してマグリット自身はこう語っている。

「一枚の絵の構想、すなわち思考は、絵の中に見ることはできません。思考とは、目に見えないものでしょう。

一枚の絵の中で抽出されているもの、それは目に見えるものです。

つまり、思考の対象となるようなひとつ、もしくは複数の事物です。

したがって『光の帝国』という絵の中に表わされているのも、私が思考の対象とした物です。

すなわち、正確に言うならば、夜景と、日中に目にするような青空です。

風景は夜を、空は昼を、それぞれ喚起します。

この夜と昼との喚起は、私たちを驚かせ、魅了するような力を帯びているように、私には思われます。

私はこの力を、詩（ポエジー）と呼びます。

この喚起がこのような詩的な力を持っていると私が信じているのは、何と言っても、

私が常に、夜と昼とに対して最大限の関心を抱いているからです。

しかしながら、どちらが好きだと感じたことは一度もありません。

夜と昼に対するこの大きな関心は、賞賛と驚異の感情なのです」

カタログより引用――。

本作品は昼夜混在の不思議さが魅惑となっているが、画面が静謐に満ちているのもいい。

音一つない、無音の空間が広がっているのである。

その静けさが心を落ち着かせてくれる。

本作品はわしの好きな小説家の阿刀田高氏の書の表紙に合いそうだ。

日常に潜む非日常性を描くことを得意とする著者の作品にぴったりだ、と思う。

”光の帝国Ⅱ”

1950年

ニューヨーク近代美術館所蔵

空から人が降ってくる…。

いや、空中で人が屹立しながら静止している。

それも数多く…。

しかも、皆、同じ姿をしている。

黒のシルクハット、コート、スラックス、靴を身につけて。

１９５３年に制作された「ゴルコンダ」である。

「ブリュッセルと思われる匿名的な街並みを背景に、コートを着て山高帽を被った大勢の男たちが空中に浮かんでいる。

３種類の大きさに描き分けられた男たちは、極めて整然と規則的に並んで画面と並行な３つの層を形成し、空間を埋めている」

カタログより引用――。

１９５３年に制作された本作品について、

「『ゴルコンダ』もまた、突然、浮かんだ光景を絵にしたものです。『空間の問題』から出発した探求の結果でもありえたわけですが」

と、マグリットは記載した。

タイトルの「ゴルコンダ」は、インド南東部のデカン高原に、１４世紀から１８世紀まで栄えた都市の名前である。

世界有数のダイヤモンド鉱山があり、その富貴と豪奢は世界中に知られたが、ムガール帝国に破壊されて廃墟となった。

この滅亡した都市が、この画にどう結びつくのか……？

マグリットは、本作品についてこう語っている。

「人は常に私の作品に象徴を見ようとします。そんなものはありません。その種の意味はないのです。

この絵、『ゴルコンダ』を例にとりましょう。群衆がいます。それぞれ違った男たちです。

しかし、群衆の中の個人については考えないので、男たちは、できるだけ単純な、同じ服装をし、それによって群衆を表わすのです。

しかし、それが一体なんでしょう？どこでも男たちを見かけるということを意味しているのでしょうか？

そんなことはありません。おそらく私は、あなたが男たちを見るとは思ってもいないところに、彼らを置きました。

だがそれでは、人間は空にもいますよね？空にいる人間。地球は空を動いているし、人間も地球にのって空にいる…。

いやいや、違います、人間が地球を支配しているという意味ではありません。

それは倫理的な問題であって、私は倫理的な問題に関与しませんし、それに、結局のところ、その事実に確信が持てないのです。

タイトルについては――ゴルコンダは魅惑の都市でした。富と豪奢の空想の都、だからタイトルは、なんらかの驚異を意味しています。

そして私は、地上では、空を飛ぶことはひとつの驚異だと思います。

お望みならば、空を飛ぶのは驚異だから、その絵画には喜びがあると言っていいのです。

また、そこには楽観主義のようなものもあります。しかし、絵画自体には感情はありません。

感情があるのは、見る者の方です。その一方、山高帽には何の驚きもありません。とくに独創的でもない被り物です。

山高帽をかぶった男は、ただの匿名の、中流階級の男です。私もかぶります。風変りな人になろうとは思いません」

カタログより引用――。

タイトルの由来についてはわかった。

記載通りであれば、わしは「バビロン」の方がしっくりくる。

かの古王国には空中庭園なるものも存在したし。

それにしても、たくさんの山高帽男がいて、画面はにぎやかだが、明るさや楽しさが感じられないのはどうしてであろうか？

それどころか、物悲しい孤愁感が伝わってくる。

わけもなく”群衆の中の孤独”という言葉が頭に浮かんだ。

”ゴルコンダ”

1953年

メニル・コレクション

全裸の女性が後ろ姿で描かれており、その頭上には切れ味の良い刃物のようなシャープな形の三日月が描かれている。

タイトルは「夜会服」。服は着ていないのに……？

そこで想像を巡らす。

女性は、これから服を着ようとしているのか？

月の光が夜会服なのだろうか？

はたまた月が人の形を夜会服にしているのか？

想像は尽きない。

そして次第に混乱してくる。

本作品は１９５５年に「傑作あるいは地平線の神秘」と「校長」とともに相次いで描かれ、同じ主題による連作として『写生のはがき』第９号に掲載された。

「傑作あるいは地平線の神秘」は、画面に三人の黒い山高帽とコートを纏った男性が上半身描かれている。

三人はそれぞれ別の方向を向いている。

前に荒地が広がっており、その先には、街らしきものが見える。

目を奪われるのは、三人の男性の頭上に「夜会服」に描かれている三日月が、それぞれ浮かんでいることだ。

本作品についてマグリットはこう語っている。

「それから、パラドクスがあります。たとえば、ひとりの男が月について考えるとき、彼はそれについての彼自身の考えを持ちます。

それは、彼の月になります。だから私は３人の男の頭の上にそれぞれの月がかかっているところを描いた絵を描きました。

しかし、私たちは本当は月はひとつしかないことを知っています。これは哲学的問題です。――どうやって単一性を分割するか。

世界は単一性でありながら、この単一性は分割できるのです。このパラドクスはあまりに巨大なので、ひとつの傑作です。

だから私は、私の絵を『傑作あるいは地平線の神秘』と呼ぶのです」

カタログより引用――。

「傑作あるいは地平線の神秘」のタイトルの意は分かったが、「夜会服」に関しては記載がなかった。

また連作のうちの１点「校長」の展示は今回なかった。

カタログによると、「山高帽の男の後ろ姿を単独で描いた『校長』だけには、逆向きの月がかかっている」画だそう。

それにしても「夜会服」は凛とした美しさのある画である。

背景の（おそらくは）空と海の青色は透明感があり、静けさが画面全体に広がっている。

ショパンのノクターンが聞こえてきそうだ。（しかし音は少しずれている、というようｊな）

マグリットは絵を描き上げると、友人を招いてタイトルをつけてもらっていたという。（オーディオガイドより）

わしならこの作品には「夜想曲」とつけるなあ。

”夜会服”

1955年

ヒラリー＆ウィルバー・ロス蔵

”傑作あるいは地平線の神秘”

1955年

フレデリックＲ.ワイズマン美術財団

おっ、でました！これぞマグリット作品！！そう、「空の鳥」だ！

マグリットはこの作品を描くために生まれてきたといっても過言ではない。

翼を広げ、宙を飛ぶ鳥の中に空が描かれている画である。

誰しも一度はどこかで目にしているであろう作品だ。

「ベルギーを代表する航空会社であったサベナ国際航空の社長ジルベール・ペリエの注文によって制作された作品で、

本作を忠実に写したシンボルマークが１９６６年から７３年までのあいだ、同航空の旅客機を飾り、さまざま宣伝媒体にも使用された。

夜空にはばたく鳥のシルエットを切り抜き、雲の浮かぶ青空をはめこんだイメージの作品は、１９４０年の『帰還』が最初であり、

戦後の『約束』、『キス』が続いている。そこには『光の帝国』でもおなじみの、夜と昼との共存から生まれる詩がある。

『空の鳥』では、画面右下隅の暗い地面に、滑走路の誘導灯が点々と輝いているのが認められ、制作の経緯を物語っている」

カタログより引用――。

本シリーズでもう１点展示があった。

１９６３年に制作された「大家族」である。

もう１点の「空の鳥」とは、鳥が逆向き描かれている作品だ。

宙を飛ぶ鳥の中に空が描かれているのは同じである。

異なるのは、鳥が飛んでいるのが海上であり、空が暗雲垂れ込めていること。

そして鳥に前足が描かれており、尾が少し海に入っている。

「空の鳥」は滑走から飛び立ち、今まさに全てのくびきから放たれ、広く果てしない大空を軽快に飛んでいる作風だ。

見ていても爽やかな心地よさを感じる。

こちらもで大空を飛翔している気分になる。

まさに気分爽快。

対する「大家族」は何故か重苦しい。

大きな羽が重たそうで、不安気な暗い空を飛んでいるのが辛そうだ。

足を出しているのは休みたいからだろうか？

しかし眼下は海。

海中に落ちないように必死で翼を広げているようだ。

「空飛ぶ鳥のイメージをシルエットに、雲の浮かぶ青空を描いた作品は、何点か存在しているが、

『大家族』だけは背景となるのが夜空ではなく、黒雲が垂れ込めた暗い空であるのが異なっている。

また、翼の端がほとんど画面の端に接するばかりに鳥が大きく描かれ、画面全体を支配している点も、印象の違いを生み出している。

今まさに飛び立とうとしているように見える鳥の形は、以前の多くの作品の中で描かれているものと類似している。

画面下方に広がる海の波は、アルメニア出身の海景画家ワルタン・マホキアンの作品『波』の絵葉書を写したものである。

このように『大家族』を構成している要素は、マグリットがこれまで他の作品においても何度も繰り返し用いてきたものであり、

また作品の構成も、暗い空と海そして鳥の形に抜かれた青空という、きわめて単純なものである。

だが、その単純さゆえにこそ、普遍性を獲得することに成功しており、マグリットの作品の中でも際立った位置を占める傑作となっているのではないだろうか。」

カタログより引用――。

ふーん…。でもなんでタイトルが「大家族」なのだろう？？？

鳥の形をしている空は「家族」の象徴ということか…？？？

家を運営するのは、荒れ狂う海の上や黒雲の空を飛ぶように大変だという示唆なのだろうか…？

でも、マグリットのことだからそんなに単純なことじゃない気がしないでもないが…。

”空の鳥”

1966年

ヒラリー＆ウィルバー・ロス蔵

”大家族”

1963年

宇都宮美術館所蔵

マグリットの分身とも思える山高帽の男の登場が続く。

どの作品もまとも（？）な男性はいない。

頭部が果実になっていたり、顔部分だけ違う場所に切り離されていたり、全身が空と海の風景になっていたりと…。

山高帽男子よ、ついにあなたはここまできたか…。

「山高帽の男のイメージはマグリットの作品の中で、早くは１９２０年代から登場している…＜中略＞…初期の作品の登場人物が、

絵の中で生起するプロットの構成要素に過ぎなかったのに対して、１９５０年代以降の作品においては、佇む男たち自体が作品の

主要なモティーフとなり、主題となっているからであろう。多くの場合、山高帽の男たちは何もしないで立っているだけである。

いや、特に画家の晩年に当たる１９６０年代の作品においては、山高帽の男たちは佇んでさえいない。

彼らは姿を隠している。いやむしろ、姿を隠した存在として出現している。

彼らは、さまざまなかたちで、消失、不在、無といった言葉で表現される主題を表現しているのである…以下、略」。

不可思議な山高帽君たちは、どれもインパクトがあるが、もっとも印象強いのは、１９６６年に制作された「王様の美術館」である。

パッと見ると透明人間に見える。

目、鼻、口は、形も色もしっかり描かれているが、上半身は青色で彩色のみされており、腹部の中央には赤い屋根の建物が描かれている。

胸元から下方向に向かっては、青の彩色がさらに濃くなるグラディーションになっている。

背景が真っ黒なため、山高帽男子が浮き彫りにされて見え、妙な存在感があり、ミステリアスな雰囲気に満ちている。

推理小説、それも赤川次郎氏や東野圭吾氏の書の表紙に合う気がする。

「『上流社会』や『王様の美術館』では、ついに男たちは消失している。男たちの姿はシルエットとして切り抜かれ、

その向こうには、青空の砂浜や、密集した葉叢や、夜の遠望といった別の空間が広がっているのである。

ここで用いられている手法は、『大家族』や『空の鳥』と同じものなのだが、消失と出現が同時に起こることによって、

無もしくは不在が表現されているのだ。」

カタログより引用――。

”王様の美術館”

1966年

横浜美術館所蔵

以上、１３８点、マグリットの作品を初期から晩年まで、変遷を追ってじっくり、たっぷり、ねっぷり、鑑賞した。

見れば見るほどわからなくなり、考えれば考えるほどわからなくなるマグリット絵画。

出口のない思考の迷路にはまってしまったかのような展覧会だった。

「…マグリットの眼には、意識の領域から生じうるのはもはやなにもないと映っていたからだ。

それゆえ、重要なのはもはや新しい事物を考え出すことではなく、存在する世界に再び投資し、そこに新しい意味を積み重ねることだった。

想像的なものの投資によって、絵画は新しい意味を獲得するだろう。哲学を通じて、マグリットはもはや別のものを表現するのではなく、

すでに存在する世界を別な具合に定義づけようとする。別の場所は存在しえない。

この試みは言語の復興を通してなされるが、それ以降、深い心的現象の求める夜のシュルレアリスムとは対照的に、

光、色、事物の側に立ってこの言語の復興は行われる。

マグリットによれば、詩の有効性は明らかだった。

というのも、詩だけが新しい感情を生み出せるからだ。

この詩はそれ自体本質的に哲学的な切望、つまり、詩の絶対的な実現を構成する。

そしてマグリットは次のように結論づける。

『詩の明証性は、格言すれば、人間の主観的な内容と現実の完全な同化と混じり合おうとする』。

マグリットは、もはや事物に執着しながら論理的な方程式を解くのではなく、プロセスと結ばれたある状態を説明する探求を行うようになる。

テーマはさまざまに進展し、無重力や肥大などの状態、そしてプロセスに執着するようになる。

これらのプロセスは死の支配する運命を伝えるために、まなざしを問題にした。飛ぶ鳥を石化して固定するとき、

そして『光の帝国Ⅱ』で昼と夜とが交わす対話を固定するときに、この感覚は強い明証性をとる。

『光の帝国』は問題のように、そして停止した瞬間のなかで実現された理想のように鳴り響いている。

この不動性は、匿名性への呼びかけのように鳴り響きもする。

マグリットにとって絵画の機能は、目に見えないものに意味を与えることよりも、

目に見えるものの彼女に隠れた部分の避けられない性質を意識することがあった。

それゆえ神秘は、解き放たれた想像的なもののうちに神話とファンタスムを混ぜる超現実性に属するのでなく、

哲学的ともいえる精神の明晰さに属している。」

カタログより引用――。

マグリットの絵画と同じく難解な解説…。余計わからなくなったよ…。

理解しようとする方が無理なのかもしれない…。

マグリット絵画は、現実あるいは事物そのものを描いているのではない。

また優れた眼力により内包された真なる物を描いているのでもない。

さらにはそれらのイメージを肥大化して芸術的に描いているのでもない。

あるがままのそれらを自らの内に取り込み、そして完膚無きまでに破壊し、再構築したものを描いている、

のではないか…？と、わしは感じた。

うーん、それにしても、マグリットって一体何者なのだろう…？

と、思っていたら、詩人ルイ・スキュトネールが答えを出していた。（カタログより）

「マグリットは画家ではない、マグリットは偉大な画家である」

なるほど！！

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