クリムト、シーレ　世紀末展

クリムト、シーレ　ウィーン世紀末展　日本橋��膕�8階ホール開催　　２００９年９月１６日（水）～１０月１２日（月・祝）

１９世紀末から２０世紀初頭にかけて、オーストリアのウィーンでは芸術や学問などの多岐の分野に渡って、優れた逸材が輩出した。

このウイーンが最も輝いていた時代、黄金時代は後にウィーン・ルネサンス期と称されるようになる。

そのルネサンス期に芸術界で頂点に立ったのがグスタフ・クリムトであり、それにエゴン・シーレ、オスカー・ココシュカが続いた。

総じてこの三人の画家は”御三家”と呼ばれるようになり、現在ではウィーン芸術の代名詞にまでなっている。

その御三家を含めたウィーン・ルネサンス期の画家の作品が、本年度日本において公開されることになった。

コレクションの所蔵元はウィーン・ミュージアム（旧ウィーン市立歴史博物館）である。

このミュージアムは、各年代の優れた美術品を多岐に渡って所蔵していることでその名を世界中に知られている。

とりわけ前述したウィーン・ルネサンス期のコレクションは質・量ともに世界最高峰を誇る。

そのルネサンス期のコレクションが、今回なんと１２０点も展示されるのだ。

これはぜひとも見に行かねばなるまい、と勇みながら、わしは日本橋にあるこの老舗デパートへと足を向けた――。

本展覧会は全国四ヶ所の巡回展である。

展示総数は上述した通りだが、これは開催場所によって多少異なる。

東京会場では１２０点のコレクションが、５章に渡る構成で展示されていた。

Ⅰ　リアリズムから情緒印象主義へ

Ⅱ　クリムトとそのサークル

Ⅲ　エゴン・シーレ

Ⅳ　分離派とウィーン工房

Ⅴ　自然主義　vs.　表現主義

本展覧会の序章はウィーン・ルネサンス期に活躍した画家たちの作品群の展示である。

前述したが、ウィーン・ルネサンス期とは１９世紀末から２０世初頭までの期間をさす。

その３０年余りの短い期間に、優れた美術が爆発的に誕生したのだ。

それらの作品群を見た感想はというと・・・。”まとまりがない”の一言である。

リアリズム、情緒主義と派の分類はされているものの、作風がバラバラなのだ。

風俗画があると思ったら宗教画があったり、風景画があると思ったら上流階級の人物画があったりして統一感がないのである。

つまり、この時代は一つの派に主流があった訳ではなく、多くの派が入り乱れていたのだ。

その章の冒頭を飾るのはハンス・マカルトの「子供たちの絵」という作品だ。

草むらの中で、生後間もない赤ん坊が、籠の中に入っている姿が描かれた図である。

赤子の横には愛らしい子犬がちょこんと座っている。

穏やかな作風であるが、描かれている赤子の下半身が丸出しなので、妙にエロティックに感じる。

”子供たちの絵”

ハンス・マカルト

1871年制作

続いてエドゥアルト・レビーツキの「真理・知恵・美」と「正義・寛容・信心」の２作が続く。

共に「帝国議事堂柱廊玄関モザイクフリーズ」の下絵となった作品である。

タイトルの「真理」や「正義」が擬人化して描かれている。

３つとも均整のとれた美しく流麗な肉体をしており、古典主義時代の様式を彷彿させる。

またその３つのバランスも見事に取れている。

背景は全て金地で塗りつくされており、この時代の豊かさが同時に伺いしれた。

当時の様相を反映したシャルル・ヴィルダの「ランナーとシュトラウス」という作品がある。

豪奢な衣装を纏った上流階級の思われる男女らが、軽快にワルツを踊っている姿が描かれている図だ。

ウィーンといえばワルツ、ワルツといえばウィーン。その言葉通りの絵だ。

本作品は「作曲家のヨーゼフ・ランナーがヨハン・シュトラウス、不朽の『ラデツキー行進曲』の創始者の傍らに三拍子を持って

ウィンナーワルツの大成功に導いたときをワルツのウィンナーの始まり」をテーマにしたのだそう。

華やかな音楽、人々のざわめき、ドレスの衣擦れの音が今にも聞こえてきそうな作品である。

風景画も幾枚かあったが、中でも印象に残ったのは、マリー・エグナーの「山ツツジ」という作品である。

タイトル通り、山中に咲いているツツジが描かれているのだが、その花の朱色の見事なこと見事なこと。

遠景にははるか雪山がそびたち、またツツジの周囲は岩肌がむき出しになっている。

荒涼とした風景の中でこの花を見つけたとき、画家は大層感動したのではないだろうか。

そんな画家の新鮮な驚きが、ツツジの血のような色から伝わってくる。

生命がここにある・・・！

”山ツツジ”

マリー・エグナー

１８９６年制作

人物画ではスザンネ・レナーテ・グラニッチェの「イーゼルの前の自画像」と「エディト・グラニッチェ」が印象深い。

前者は自画像だが、画家としての自分を誇張するためか、イーゼルの前に立ち、パレットと筆を手に持った姿が描かれてある。

当時はまだ職業婦人の地位は低いものだった。

そのため女流画家が芸術家として自立したいと、自画像を描くことが流布していたらしい。

スザンネもその中の一人ということか。

後者はタイトル通りの名の夫人を描いた肖像画である。

女性はゆったりとした白レース地のドレスを着て、椅子に腰掛けている姿が描かれている。

実に優雅で洗練された女性であることが絵から伺える。

フェルディナント・シュムッツアーの「愛」という寓意画にも目を奪われた。

裸体の女性が横たえている姿が描かれている。

その上に白い蝶が何羽か、舞っている。

それだけだと単なるポーズを取った裸体画なのだが、背景に描かれている青色の帯状の花模様が、作品を際立たせている。

女性、蝶、模様という、この３つの要素が見事に調和されており、最高の装飾美作品に仕上がっているのである。

Ⅱ章はいよいよグスタフ・クリムトの作品群の展示である。

本展覧会のメインのコーナーだ。

女性の官能美を追求し、それを極めた彼の代表作「接吻」をご存知の方は多いと思う。

残念なことに、本展覧会ではその代表作を見ることができないが、それでも彼の作品は（東京会場においては）８点も展示されるのだ。

しかもどの作品も代表作に負けず劣らずの秀逸な作品ばかりなので、クリムトファンにとっては感無量であろう。

が、その章の冒頭を飾るのは彼の作品ではない。

フランツ・フォン・マッチョの作品「テレーゼとフランツ・マッチョ」が一番最初に飾られていた。

幼い愛らしい少年少女二人を描いた肖像画である。

柔和で温かさに満ちた作品だ。

画面に描かれている二人は、画家自身の子供だという。

二人の子供に対する愛情がひしひしと伝わってくる。

”テレーゼとフランツ・マッチョ”

フランツ・フォン・マッチョ

１９０２年制作

クリムトのコーナーなのに何故この画家の作品が展示されているのか？

それはこの画家が実はクリムトと密接な関係にあったからなのだ。

画家フランツはクリムトと共に芸術家商会を結成した間柄だった。

また、数多くの建築物の装飾壁画も共同で制作したりなどもしていた。

が、とある天井画の仕事で意見がぶつかりあい、それがきっかけとなって仲違いしてしまったのだ。

本作品は、その決別した数年後に描かれた作品である。

そしてクリムトの作品の展示が始まる・・・。

「寓話」「愛」「彫刻」「パラス・アテナ」「恋人たち」「牧歌」「画家カール・モルの娘」「裸婦秀作」――と、どれも秀逸な作品だ。

”寓話”

グスタフ・クリムト

１８８３年制作

「寓話」はクリムトがまだ２１歳のころに描いた作品である。

古典主義の様式を感じさせる作風だ。ここにはまだ彼独特のあの金地は見られない。

本作品はタイトル通り、「寓話」が主題となっており、それが絵として表現されている。

ここには２つの「寓話」が挿入されているのだ。

まず中央に屹立している裸婦を見てみよう。この女性こそ”寓話”なのだ。擬人化されているのである。

裸婦は右手にペンを持ち、そして背後には巻物が置かれている。この巻物も”寓話”を意味している。

画面向かって左側には寝そべっているライオンと何匹かの白ねずみがいる。

これは主題の”寓話”の二つのうちの一つ、「イソップ物語」が描かれている。

ライオンに食べられそうになったネズミは命乞いをし、ライオンはそれを聞き届けて見逃してやった。

後日、そのライオンは猟師に捕らえられ、木に縄で括り付けられてしまう。

しかし、以前ライオンが見逃したネズミが縄を噛み切ってライオンを逃がしてやるのである。

いわゆる”恩返し”のストーリーである。

右側には蛙を嘴にはさんだ二羽のコウノトリと蛙の入ったフラスコ瓶を手にした一匹の狐が描かれている。

これはラ・フォンテーヌの「寓話」である。

狐はコウノトリにスープをご馳走したが、それは平たい皿に入っていたため飲めなかった。

コウノトリはその返礼に蛙を与えたが、それは狐の口に入れることはできない細い瓶に入っていたため食べることは叶わなかった。

”切歯扼腕”なストーリーである。

異なった２話の、それも民族的・社会的な観点からストーリーを、クリムトは一枚のキャンバスに見事に収めたのである。

”愛”

グスタフ・クリムト

１８９５年制作

”パラス・アテナ”

グスタフ・クリムト

１８９８年制作

「愛」はクリムトの代表作品の１作である。彼が３３歳のときの作品だ。

１８９５年に制作された本作品は「世紀末のロミオとジュリエット」ともいうべき浪漫的なムードが漂っている。

画面は縦に３分割されており、中央には主旨である男女が、左右には彼特有のあの金地が描かれている。

男女は今にも接吻を交わしそうなほど、互いの顔を近づけながら抱きあっている。

金地の効果も相乗し、一見すると男女の美しい浪漫的な愛を図にした作品に見える。

が、そうではない。その証拠に見よ！二人の上空にあるものを！！

近くで見るとうすぼやけてそれが何であるかわからないが、絵から少し離れた場所の立って見るとそれが何であるのかわかる。

そして戦慄するのである。その、いや、それらの”モノ”を見て――！！

それらは人間の浮遊体だった。首だけの、あるいは上半身だけのという――！！

しかもそれらは無数に異なった形容で存在しているのだ。

幼い少女、美貌の女性、恐ろしげな老婆、などなど・・・。

一見すると、それらは亡者のように見えるのだが、実は違う。

作品のタイトルが「愛」であることと、浮遊体すべてが女性であることから、これは「女の業」の深さを表現していることが判断できる。

生涯を独身で通したものの、数多の女性との恋愛遍歴を重ねたクリムトだからこそ、描けた画でだろう。

作品「パラス・アテナ」は、クリムトが描いた唯一の猛女、烈女である。

パラス・アテナはギリシャ神話に登場する、知恵と戦いを司る女神だ。

主神ゼウスの娘として生まれたこの女神は、強く賢いだけでなく、美の女神に匹敵する美しさも併せ持つ。

そのため数いるオリンポスの神々の中でも人気度はかなり高い。

そのアテナをクリムトは神話通り、忠実に描いた。

頭に黄金の兜を被り、左手には槍を、そして右手には勝利の女神を持っている。

そして見るものを全て石に変えてしまうゴルゴンの胸当をつけているのである。

そのゴルゴンの顔を見よ！まるで漫画からくがきのようである。

ぺろりと下を出しているところなどは、観る者を小馬鹿にしている風体である。

これは当時の保守的な画壇に対する彼の抵抗（しかも皮肉な）を現したと言われている。

グスタフ・クリムトの弟、エルンスト・クリムトの作品も２作展示してあった。

とりわけ「宝石商」という作品は素晴らしかった。

これは兄グスタフの作品「牧歌」と対にして展示されていた。

タイトル通り、宝石商なる男が女性に宝石を売りつけている場面が描かれている。

アラブ風の衣装をまとった女性の美しさにも目を奪われたが、背景の金地の幾何学的な文様の装飾美にも感嘆した。

”牧歌”

グスタフ・クリムト

１８８４年制作

”宝石商”

エルンスト・クリムト

１８８９年制作

Ⅲ章は、本展覧会のもう一つのメインであるエゴン・シーレの作品群の展示である。

冒頭に記述した通り、シーレもクリムト同様にウィーンを代表する画家だ。

若いうちから彼の才能は開花はしていたものの、生前においてのその評価は芳しくなかった。

病的とも思える細い線描写とケバケバしい色彩で描かれた彼の作品は、当世には受け入れがたいものだったからだ。

彼が脚光を浴びたのは１９１８年の第４９回分離派展のときである。

が、これもつかの間、彼はこの同年の１０月に流行り病であったスペイン風邪によって逝去してしまったのである。

２８歳の若さだった。

そのエゴン・シーレの作品が本展覧会において、１８点公開される。

シーレファンにとっては、喜ばしいことこの上ないだろう。

全１８作品どれもみな彼らしい強烈的な刺激の強い作品だったが、やはりその中でも一番目立ったのは「意地悪女」だろう。

乳房を露にした上半身裸の（下半身は黒い衣で覆われている）女性の姿が描かれた作品である。

その表情の本当に意地悪そうな顔といったら・・・！

眉間に皺を寄せ、口をすぼねているため、顔全体がくしゃくしゃになっている。

まさしく「意地悪女」だ。

こんな表情をした女性を描いたというだけでも驚きなのに、このモデルとなった女性が実の妹というからさらに仰天してしまう。

シーレはやはり並大抵の感性の持ち主ではなかったのだろう。

”意地悪女”

エゴン・シーレ

１９１０年制作

”ヒマワリ”

エゴン・シーレ

１９０９年制作

１９０９年に描かれた「ヒマワリ」にも惹かれた。

が、美しい絵、というわけではない。

葉や花は萎れて枯れて茶ばんでしまっている。

茎だけがまっすぐ伸びている。それも恐ろしいほど細く長く。それは異様な長さだ。

根元には違う花々が咲いている。こちらは背丈は全くないものの、色は鮮やかで葉も花も枯れてはいない。

本作品は当世の様式的芸術からの脱却を暗示しているのだそう。

新生代交代の意図が秘められているのだ。

これを観た当時の画壇は一体どのような心持だったろうか・・・。

本章のメイン作品ともいうべき「自画像」もかなりインパクトがあった。

見た瞬間、この人オカマか！？と疑問を持ってしまうような画だ。

手に胸を当て、目線を横流ししている。何か媚を売っているようにも思える姿だ。

前述した「ヒマワリ」と同様、少しも美しくなく、それどころか退廃的でさえあるのに、何故か嫌悪感が少しもわいてこない。

やはり天才の画なのだ。

”自画像”

エゴン・シーレ

１９１１年制作

メインのⅡ章、Ⅲ章が終わると、次は分離派とウィーン工房の作品群の展示の章になる。

分離派とは当世のウィーン美術界から離脱し、クリムトと共に新しく結成した美術グループのことである。

保守的な美術界から離れたこの派は、「時代にはその時代の芸術を、芸術に自由を」というスローガンを掲げて活動を始めた。

彼らは国外の近代美術の傾向を、展覧会を開催することで、ウィーンに紹介していったのである。

結局、彼らは１８９８年～１９０５年にかけて、２３回もの展覧会を開いた。

本章ではその派や工房で活躍した画家らの作品の展示されている。

本章を観た感想は、Ⅰ章と同じであった。

つまり”統一感”がないのである。ここにもいろいろあった。

風俗画、風景画、などなど。

異なるのは版画作品があったことだ。それもこの章ではかなり多く展示されていたのだ。

その中で印象深かったのは、多色石版の日本特集ポスターである。

侍と鷹の図が描かれている作品である。

西洋画しかない作品の中で、これは目立っていた。

マックス・クルツヴァイルの「病気の回復」も良かった。

これは油彩画であるが、果樹園の中で修道女らしき女性が男性にもたれかかっている姿が描かれた作品である。

趣旨は「病気が回復した男性とその恋人が再会し、精神的な深まりを持った」というものだそう・・・。

心和む光景である。

”病気の回復”

マックス・クルツヴァイル

１８９６年制作

カール・オットー・チェシカの「学問の寓意」も良かった。

タイトル通り、”学問”を絵に表した作品だ。

一人の女性が両手を広げ球体（地球か？）の上に屹立している。

右手には２羽の梟が止まった木の枝を持ち、左手には大きな本を持っている。

双方とも”知””を表わしている。

青い色調が美しい、と思った。

全身横向き裸婦図のエドゥアルト・シュテラの「踊り子」にも目を奪われた。

均整のとれた美しいプロポーションをあますところなく見せつけている。

さすがは”踊り子”である。無駄な肉が少しもない。

”御三家”の一人、オスカー・ココシュカの作品は、ここで紹介されていた。

３作ほどの展示である。

その中で８枚組みの多色石版画が面白かった。

タイトルは「夢見る少年たち」である。

絵が描かれている右側に詩が書かれている。

（画家本人曰く、これは”絵画詩”なのだそう）

８枚つづりでストーリーにもなっている作品は、実は画家の恋文でもあった。

そのお相手（ヒロイン）は北方の森から来たリーという名の少女である。

ココシュカは彼女と同じ芸術学校に通っていた。

彼女はココシュカの好きな色の赤のスカート（農民が織ったもの）をはいていた。

彼はこの少女に夢中であったが、本作品が出版されるころには、もはや自分の周りから姿を消していたという。

作品は８枚全てが展示してあったが、詩の注訳がないのが残念だった。

”夢見る少年たち”

オスカー・ココシュカ

１９０８年制作

そして最終章――。

目に写った事象をそのままの形で描いた派と抽象化して描いた派の作品群の展示である。

印象派の作風に似ている、というのが実直な感想だ。

まあ派の名こそと違え、主義は同じなのでそれも当然といえば当然であろう。

Ⅰ～Ⅳ章までと少し作風が異なる、というか現代に近いので、この章の作品はどれも親しみやすかった。

心にすっとなじんで、すいっ、と入ってくるような作品ばかりだった。

とりわけ美しく感じられたのは、エルンスト・バイエルの「月夜の冬景色」である。

冬の真夜中、月に照らし出された光景が描かれている。

日本人好みの、静寂で神秘的な画だ。

東山魁夷の作画を連想した。

表現主義ではマックス・オッペンハイマーの作品に衝撃を受けた。

特に「十字架降下」と「近代絵画の展覧会ポスター」はかなり強烈である。

後者の作品など、自分の胸元（？）が切り裂かれ、そこから血を流している姿が描かれているのだ。

自分をイエス・キリストになぞらえたらしい。

本作品は、ポスターなのだが）貼ることを禁止されたという。

自傷行為によって精神的ショックが与えられ、その不快感を公の場に出すことはできないと見なされたからである。

まあ、当たり前だろう。いくらなんでもこの画は危険すぎる。

以上、ウィーン・ルネサンス期の１２０点もの優れた作品を約２時間かけて鑑賞した。

見ごたえ十分の展覧会だった。メインのⅡ章、Ⅲ章は特に素晴らしかった。

いつかはクリムトの代表作「接吻」を見てみたいものだ。いや、きっと見る。

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