第１５回アートコレクション展　栄光のオランダ絵画展

栄光のオランダ絵画展　ホテルオークラ東京開催　　２００９年８月４日（火）～８月３０日（日）

大手の企業やホテルが、ギャラリーを運営あるいは併設している例は珍しくない。

日本が世界に誇る老舗ホテルオークラもそうした例のひとつである。

このホテルでは毎年館内で「秘蔵の名品アートコレクション展」を開催している。

それは今年で１５回目となり、今回は日蘭通商４００年を記念して、「栄光のオランダ展」が開かれることになった。

オランダ絵画といえば、フェルメール、レンブラント、ゴッホなどの画家の名前が浮かび上がるだろう。

本展覧会においては、フェルメールの作品の展示はないが、ゴッホとレンブラントの作品は展示されるという。

二人の巨匠をこよなく愛するわしは、彼らの作品見たさに、湿気のまとわりつく鬱陶しい空気の中、ホテルオークラへと足を向けた――。

展覧会は全部でⅢ章で構成されていた。

オランダの絵画の歴史に沿っての展示である。

Ⅰ章　１９世紀作品

Ⅱ章　２０－２１世紀作品

Ⅲ章　１７世紀作品

展示作品数は全部で７５枚。

決して数多い展示とはいえない。ホテルの美術館ならこれくらいの枚数が妥当なのか――？

冒頭を飾るのはゴッホの作品である。

日本国内美術館に所蔵される彼の初期作品を４枚並べて展示していた。

「雪原で薪を集める人びと」「長い棒を持つ農婦」「「鋤仕事をする農婦のいる家」「静物、白い壺の花（薔薇ほか）」である。

いずれも１８８４年から８５年にかけて制作された作品群だ。

ゴッホは１８８０年の２７歳で画家になることを決意し、そして制作を始めている。

よってこの４点はすべて彼の初期作品にあたる。

このころ、彼は農村で働く人々やそこでの風景に強く惹かれていたので、題材は重く、また色調は暗い。

彼の代表作である「ひまわり」や「夜のカフェテラス」に見られるような輝く色彩は見られない。

だが、太くて強い筆使いはなじみある描写だ。

この筆致から、「ああ、やはりゴッホだ」と、思う。

↓ゴッホ作品４点

”雪原で薪を集める人びと”

１８８４年制作

吉野石膏株式会社所蔵（山形美術館に寄託）

”長い棒を持つ農婦”

１８８５年制作

個人蔵（新潟県立美術館に寄託）

”鋤仕事をする農婦のいる家”

１８８５年制作

東京富士美術館所蔵

”静物、白い壺の花（薔薇ほか）”

１８８６年制作

野石膏株式会社所蔵

ゴッホの作品の次に続くのは彼が登場する以前に活躍した「ハーグ派」と称される画家たちの作品である。

この「ハーグ派」は１９世紀後半、ミレーらを代表するバルビゾン派に影響を受けた画家のグループだ。

彼らはその名の由来の通り、ハーグを拠点に、身近な主題をリアルな視点で作品を描いていた。

印象強く残ったのはヨハネス・ヘイスベルト・フォーヘルの「山々を背にした森の風景」である。

実にすがすがしい森の風景が描かれてる作品である。

新鮮で清涼な空気が画面いっぱいに広がっている。

谷間の小川のひんやりとした心地よさこちらまで伝わってきそうだ。

残念なことに、画像ではこの美しさが半分も伝わらない。

日本人好みの風景画であるのに。

”山々を背にした森の風景”

ヨハネス・ヘイスベルト・フォーヘル

１８７８年制作

INGコレクション

またヘンドリック・ウィレム・メスダッハの「日没の穏やかな海の漁港」にも目を引いた。

水平線に沈む西日に照らされる海に浮かぶ何艘かの船を描いた作品である。

タイトル通り穏やかで静かな、本当に静かな絵だ。

海の上に船が眠るように静止している。

色彩は柔和だが、線描写は明確である。

色調をぼやかすとターナーの作品のようになる気が、する・・・。

Ⅰ章の１９世紀の絵画作品はゴッホ作品を含め１５枚の展示だった。

”日没の穏やかな海の漁港”

ヘンドリック・ウィレム・メスダッハ

１９世紀制作

オランダ文化研究所（オランダ外務省）

Ⅱ章からは２０世紀から今日までの作品の展示である。

先程とはうってかわった明るい色彩が目に飛び込んできた。

時代変われば絵も変わる・・・。顕著すぎるような気がしないでもないケド。

また写実的な描写、いわゆる風景画は見られなくなり、抽象画が多くなったのも特徴である。

またいわゆるオランダ的特徴は見られなくなり、一般的な西洋絵画といえる作品が多かった。

「どこの国の作品だ？」と聞かれても、作品を見ただけでは「オランダだよ」と答えられる人はいないんじゃないかな？

心に残ったのはヤン・スライテルスの「O・ルドンに捧ぐ」だ。

これはタイトル通り、ルドンを意識して描いた作品なので、作風がよくルドンに似ている。

が、彼の作品よりも色調は明るく、また画風も明快である。

つまりわかりやすい作品なのだ。

レオ・ヘステルの「無題」とヴィム・スフーマッハーの「アディーネ・ミースの肖像」も良かった。

どちらも女性を描いた作品である。

前者は花に囲まれた女性の顔を抽象的に、後者は横たえた女性の全身像を写実的に描いている。

描写法が違うとはいえ、どちらも気品ある美しさが漂っている。

”アディーネ・ミースの肖像”

ヴィム・スフーマッハー

１９３３年制作

INGコレクション

その隣に展示されているラオル・ハインケスの「静物」にも目を奪われた。

ダリの作品の趣きがある抽象画だったからである。

遠景には森の木々と空が、手前には石座（塀？）置かれた果実や本などが描かれている。

それらがみな微妙にほんとにほんとにほんの少しだけ歪んでいるのである。

しかもただそこにあるのではない、何かこう意思を持ったようにしてそこにいるのである。

それもいましも動き出しそうな感じで・・・。

じっとこの絵を見ていると、描かれている静物たちが何か別のものに見てきそうな気が、するのだけど・・・。

”静物”

ラオル・ハインケス

１９３５年制作

INGコレクション

その後も数点謎めいた抽象画が続いて展示されていた。

普通の肖像画もあった。

少女の上半身像を描いたエドハー・フェルンハウトの「ヨランテの肖像」と「ドリー・スパートの肖像」である。

現代的な明快さのある肖像画である。

フェルメールやレンブラントの描いた肖像画のような謎めいた雰囲気はまったく見られない。

そして現代作品へと続き、驚く。

なんと日本を描いた作品の展示があったからだ。

現代のオランダ人が描いた「日本」がここにあった。

フランス・ファン・ヒーネンの「厚かましさ」「Sun miと兜」「イリュージョニスト」はいかにもいかにも日本だ。

日本人が描いたといっても誰も疑わないのではないか？ちょっと色彩が濃いような気がしないでもないけども。

またエド・ファン・デル・コーイの描いた「白い薔薇」と「夏」という作品にも驚かされてた。

何に驚かされたのかというとその大きさにである。

150ｘ180と170ｘ140というキャンバスの大きさなのだ。

しかもその大きな画面にはたった一人の女性の肖像しか描かれていないのである。

前者は青地に白い薔薇のあしらった着物を、後者は橙色の着物を着た女性だ。

背景にはまったくなにも絵が描かれていない。だからこその存在感の大きさなのかもしれない。

女性の顔にも凄みがある。

目や鼻、そして顔の稜線がくっきりとしかも色濃く描かれているのである。

しかし顔立ちは完全に日本人である。うーん、これは凄い！

これがオランダ人が描く日本女性なのか、などと妙に感心してしまった。

その後数点の現代絵画の展示の後には、写真の作品の展示が並んだ。

オランダの日常生活や日本の風景を写した写真の作品群である。

が、統一はなかった。

渋谷の街並みが写されていたと思ったら、お決まり通り京都のお寺の写真があったり、と。

写真は絵画と同じで好きだが、イマイチこの展示作品はわし好みではなかったのが残念といおうか・・・。

そして最終章。

ここが本展覧会のメインとなるコーナーである。

なんたってオランダが世界に誇るレンブラントの作品が展示されているのであるから・・・！

とはいっても展示作品は全部版画であった。

その彼の版画作品の展示数は全部で８点。

すべてアムステルダム国立美術館所蔵作品である。

レンブラントの作品は油彩でも暗い色調が多いが、版画になると余計暗くなる。

だから作品にうんと目を近づかせなければ、何が描いてあるかわからなかった。

それでも「窓辺で素描する自画像」や「ラザロの蘇生」はすばらしい作品であることはわかった。

とりわけ自画像など、実際に彼が生きてそこにいるかのように思える。

瞳に生の力が宿っているのである。見透かすようにこちらを見ているのだ。

いや、実際、生きているのだ、彼は。絵の中で、４００年もの月日の間。

生きて我々を見つめ続けてきたのだ。そしてこれからも見続けるのだろう。

↓レンブラントの版画作品

”窓辺で素描する自画像”

１６４８年制作

アムステルダム国立美術館所蔵

”ラザロの蘇生”

１６３２年制作

アムステルダム国立美術館所蔵

彼の版画作品群の中間に、本展覧会の目玉作品「聖家族」が飾られていた。

本作品は長い年月レンブラント作と考えられてきたが、近年の研究で工房作という見解が強まってきたそうだ。

”そうだ”というのは、未だはっきりとした判定ができていないからだ。

とまれ、どちらであれ、この作品が名画であることは間違いない。

夜、暗い室内の中において読書するマリアと眠りかけているアンナ、そして揺り籠の中で眠る幼子イエスの姿が描かれている。

そこだけスポットライトを当てたかのように、彼らの周囲が光っているのである。

見事な光暗の使い分けである。

イエス・キリストを主題とした作品あるのにも関わらず、そこに見えるのは普通の一般家庭の図である。

親近感を持つことができ、そして家族愛の大切さを改めて教えてくれる作品だ。

”聖家族”

レンブラント工房（？）

１６４２－１６４８年制作

アムステルダム国立美術館所蔵

その他、この最終章にはレンブラントと同時期に活躍した画家の名画が展示されていた。

とりわけサロモン・ファン・ライスダールの作品など秀逸であった。

ライスダールは１７世紀に活躍したオランダ風景画家の代表的存在である。

展示されていたのは「エマオへの路」という作品。

遠景描写を駆使して描いた彼らしいタッチの田園風景作品である。

”エマオへの路”

サロモン・ファン・ライスダール

１６６８年制作

INGコレクション

展覧会最後を飾るのはハンス・ボロンヒールの「果物籠に入った静物」という作品である。

タイトル通り、籠に入った果実や花が描かれている。

ただ入っているのではない。入りすぎてあふれかえってしまい、籠が傾いているくらいにだ。

それらの果実や花らのみずみずしさといったら・・・！

盛りのものを摘んだであろうか。新鮮味に溢れ、実に生き生きしている。

豊穣を謳ったような、そんな静物画だ。

オランダの画家といえば、前述したようにフェルメール、レンブラント、ゴッホの名前が浮かび上がる。

が、他にもたくさん優れた画家がいるのだ。彼らが生きていた時代にも、そして現代にも。

この展覧会において、それを改めて教えてもらったような気がする・・・。

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